Paola Siri Renard’s sculptures are micro-architectures through which any individual can reclaim imperceptible architectural, cultural and normative realities via bodily experiments. Enlightened as much as distorted, they reveal formal grids and political structures which shape spaces and condition social interactions insidiously. Her transcription process isolates and rescales generic ornaments, bestowing upon them an autonomy that is stripped from their initial context. They acquire their own (dys)functionality. The anachronistic symbolism creates interfaces that undermine Western architectural orders. Paola Siri Renard reveals normative aesthetic codes spreading throughout centuries, in parallel with injunctions that neglect bodies ; echoing the history of her Martinican and Swedish roots. Natural processes such as sloughing or fossilization interact with immutable ornamental layers, conferring upon them an aura of mutation. Emanating from this encounter, the metamorphic shapes of her test-instruments suggest imaginary displacement engines. Physical reappropriations of these besieging architectural growths question the treatment of designed heritage through the correlation between its circulation and the exclusionary underpinnings that marginalise specific identities.


Reminiscent of the remains of buildings once excavated and partially reassembled, Paola Siri Renard’s sculptures erect (once again) before us, spread out on the floor, suspended from the ceiling or anchored to the wall, beckoning viewers to confront them. The hybrid union between these architectural ruins and the steel elements supporting them like braces mending a bone fracture yields almost cyborg-like pieces. They are like remains of columns, frontispieces, cornices, and ornamental friezes becoming protective structures for human and animal bodies. These works suggest such defensive or restorative envelopes as carapaces, rib cages, membranes, splints, and armours, thus depicting human and animal bodies in a hollowed-out form. Relics that have become extensions of the body and its movements, the sculptures are intended as augmented beings and new means of defence in the face of the control of bodies in society – their regulation, their normalisation. These remains of monuments, which once exerted power over certain bodies, are henceforth destined to be activated by the audience, who is invited to sit or lie on them, creating their own narrative vis-à-vis works that bear witness to both a past and potential activity.

Exhibited together for the first time, Confessional with a view 2022 and (dazzling) garderobe 2023 are made up of hand-sculpted acrylic plaster pieces giving the illusion of cut stone and held at a distance from one another by steel structures. The sculpted fragments are based on architectural ornaments, details that Paola Siri Renard has extracted from monuments and re-appropriated, and that, once assembled, look as much like archaeological ruins as bones. These fictitious archaeological relics seem to have had a primary function, namely embellishment. Here, we find some of the plant motifs and curves characteristic of Art Nouveau. They show the traces of a decorative intention and a human activity from a bygone era, a sumptuousness that has become vulnerable. By stabbing steel pins through them – thereby making them mobile – the artist imposes a new order on the sculptures, appropriating their former histories and introducing new ones. With this device, the sculptures can be transformed from one exhibition space to another – in the same way as a malleable syntax that opens up a multitude of possible meanings.

Metamorphosis lies at the heart of the practice of Paola Siri Renard, who works from materials that are either offcuts or leftovers or that are products of transformation, such as steel and glass. Confessional with a view and (dazzling) garderobe both explore this principle through the idea of camouflage, which is specific to the animal kingdom and the military. The bluish iridescent pigments of Confessional with a view mimic the colours of the pigment cells under the skin of certain animals that are capable of camouflage while the glistening white pigments of (dazzling) garderobe refer to the glittering paint used on American and British warships to protect them from enemy fire during WWI. Here, the visual system is put to the test of authenticity: camouflage allows a visible being to hide and deceive the opposing eye. Are we that adverse eye? Using illusion and metamorphosis, these two works investigate the visible as a means of knowledge. While the title of Confessional with a view evokes the intimacy of a secret word made visible, the place of an unveiled truth where two beings meet, (dazzling) garderobe conjures up a moment of temporary blindness.

This process of unveiling involves a certain violence. This is evident in the balance of power within the two pieces, particularly as the steel parts cut deep into the soft, polished plaster elements, simultaneously bruising and supporting them. Confessional with a view is supported by rails that recall those of a butcher’s shop, lending the two main elements of the work the appearance of animal carcasses hung after butchering. Facing each other, these two sculptures guard an oblong object made of dark glass suspended between them – is it a chalice, an egg, an urn, or a heart? – which they reveal to us or, conversely, try to shield from our view. Similarly, the metal section of (dazzling) garderobe is akin to a prosthetic system that, like mechanical arms, articulates the pieces of sculpted wings, allowing them to move. They appear to possess the mechanical power to repair any flaws. These metal arms are based on the “instruments for operating on mutant women” used by David Cronenberg’s gynaecologist Beverly Mantle in Dead Ringers (1988), a film broaching identity illusion. (Dazzling) garderobe can represent two twin entities that are one and the same, animated by an outside hand via the steel arms embedded in their flesh, in the deepest recesses of their intimacy.

Confessional with a view and (dazzling) garderobe offer a twofold vision of collapse and regeneration. Their components can be understood as a relationship of confrontation and cooperation. Danger is as much a part of the work as protection, and violence as much as care. By fracturing and rearranging references borrowed from different forms of Western architecture (Greco-Roman, Gothic, Art Nouveau), Paola Siri Renard dismantles the political, religious, and normative power and authority attached to these structures. She reveals the architectural structures on which they are built, exposing both their “skin” – the ornamental layer of the monuments that clothes them – and the foundational elements on which the whole (and consequently the power) rests. The transformative potential of her sculptures allows the artist to reconsider architectural legacies as elements in a state of transit, likely to be reactivated differently with each exhibition. Through a surgical act, the artist repairs and treats the remains of monuments and the memory of inert bodies, inviting us to take part in this new impetus.

Elsa Coustou, HISK edition, october 2023
Translation : Paula Cook


Telles des vestiges d’édifices qui auraient été excavés et partiellement réassemblés, les sculptures de Paola Siri Renard se dressent (à nouveau) devant nous, étendues au sol, suspendues au plafond ou ancrées au mur, invitant spectateur.rice à se mesurer à elles. L’union hybride entre ces ruines architecturales et les pièces d’acier qui les soutiennent, comme des broches orthopédiques réparent une fracture osseuse, produit des œuvres à l’allure presque cyborg : des restes de colonnes, de frontispices, de corniches ou de frises ornementales deviennent des structures protectrices du corps humain et animal. Les œuvres évoquent alors ces enveloppes défensives ou réparatrices que sont une carapace, une cage thoracique, une membrane, une attelle ou encore une armure, rendant ainsi présent le corps humain et animal par sa représentation en creux. Vestiges devenus extensions du corps et de ses mouvements, les sculptures sont conçues comme des êtres augmentés et de nouveaux moyens de défense face au contrôle des corps en société – leur régulation, leur normalisation. Ces restes de monuments, qui ont un jour imposé un pouvoir sur certains corps, sont désormais destinés à être activés par le public, invité à s’asseoir ou à s’allonger sur eux et à créer sa propre narration face aux œuvres qui témoignent d’une activité tant passée que potentielle.

Exposées ensemble pour la première fois, Confessional with a view 2022 et (dazzling) garderobe 2023 sont formées de pièces sculptées à la main dans du plâtre acrylique qui donne l’illusion de la pierre de taille, et maintenues à distance les unes des autres par des structures en acier. Les fragments sculptés sont inspirés d’ornements architecturaux, détails que Paola Siri Renard extrait de monuments et se réapproprie, et qui, une fois assemblés, ressemblent tout autant à des ruines archéologiques qu’à des ossements. Ces restes archéologiques fictifs semblent avoir eu une fonction première, d’embellissement : on retrouve ici certains des motifs végétaux et des courbes propres à l’Art Nouveau. Ils portent ainsi les traces d’une intention décorative et d’une activité humaine d’un autre temps, d’une somptuosité désormais vulnérable. En les transperçant de broches en acier qui les rend mobiles, l’artiste impose sur eux un nouvel ordre, s’empare de leurs histoires passées pour en proposer de nouvelles. Par ce dispositif, les sculptures peuvent se métamorphoser d’un espace d’exposition à l’autre – comme une syntaxe malléable offrant une multiplicité de sens possibles.

La métamorphose est au cœur de la pratique de Paola Siri Renard, qui travaille à partir de matériaux issus de chutes et de restes, ou qui sont le produit d’une transformation comme l’acier et le verre. Confessional with a view et (dazzling) garderobe adressent toutes deux ce principe à travers l’idée de camouflage, propre au règne animal et au domaine militaire. Les pigments iridescents bleutés employés dans Confessional with a view imitent les couleurs des cellules pigmentaires présentes sous la peau de certains animaux qui ont la capacité de se camoufler, tandis que ceux employés dans (dazzling) garderobe, d’un blanc scintillant, font référence à la peinture éblouissante des navires militaires états-uniens et britanniques utilisée pour les protéger des tirs ennemis pendant la Première Guerre mondiale. Le régime visuel est ici mis à l’épreuve de l’authenticité : le camouflage permet à un être visible de se dissimuler et de tromper l’œil adverse. Sommes-nous cet œil adverse ? Usant de l’illusion et de la métamorphose, ces deux œuvres interrogent le visible comme moyen de connaissance : tandis que Confessional with a view évoque, par son titre, l’intimité d’une parole secrète rendue visible, le lieu d’une vérité dévoilée où se rencontrent deux êtres, (dazzling) garderobe évoque, de son côté, un moment d’aveuglement temporaire.

Ce processus de dévoilement s’accompagne d’une certaine violence. Celle-ci est rendue manifeste par les rapports de force qui s’opèrent au sein des deux œuvres, notamment par les percées profondes des pièces d’acier dans les éléments de plâtre d’aspect doux et poli, qu’elles meurtrissent et soutiennent tout à la fois. Confessional with a view est montée sur des rails qui rappellent ceux de boucherie et qui donnent aux deux éléments principaux de l’œuvre l’aspect de carcasses d’animaux pendues après leur dépeçage. Ces deux sculptures qui se font face sont les gardiennes d’un objet oblong en verre foncé suspendu entre elles – peut-être un calice, un œuf, une urne ou bien un cœur – qu’elles nous dévoilent ou au contraire qu’elles tentent de protéger de notre vue. De même, la partie métallique de (dazzling) garderobe s’apparente à un système prothétique qui, comme des bras mécaniques, permet d’articuler les morceaux d’ailes sculptés, rendant ainsi possibles leurs mouvements. Ils semblent avoir le pouvoir mécanique d’en réparer les failles. Ces bras métalliques sont inspirés des « instruments for operating on mutant women » qu’utilise le personnage de David Cronenberg, le gynécologue Beverly Mantle dans Dead Ringers (1988), film qui traite de l’illusion identitaire. (dazzling) garderobe peut alors représenter deux entités jumelles ne faisant qu’une et qu’une main extérieure vient animer grâce aux bras d’acier enfoncés dans leur chair, au plus profond de leur intimité.

Confessional with a view et (dazzling) garderobe offrent la double vision d’un état d’effondrement et d’une régénération. Leurs éléments peuvent être vus dans une relation d’affrontement tout autant que de coopération ; le danger est aussi présent que la protection, la violence que le soin. En fracturant puis en réagençant des références empruntées à différents types d’architecture occidentale (gréco-romaine, gothique, de l’Art Nouveau), Paola Siri Renard déconstruit le pouvoir – politique, religieux, normatif – et l’autorité qui leur sont attachés. Elle rend visibles les structures architecturales sur lesquelles ils sont construits, en exposant tant leur « peau », cette couche ornementale des monuments qui les habille, que les éléments fondateurs sur lesquels tout l’ensemble (et donc le pouvoir) repose. Le potentiel de transformation de ses sculptures lui permet ainsi de repenser ces héritages architecturaux comme des éléments en état de transit, amenés à être réactivés différemment à chaque exposition. L’artiste, dans un acte chirurgical, répare et soigne ces restes de monuments et la mémoire de corps inertes, et nous propose de prendre part à ce nouvel élan.

Elsa Coustou, HISK édition, octobre 2023


Paola Siri Renard étudie et analyse notre appréhension de l'espace conditionnée par l'architecture via les codes qu'elle génère et véhicule dans notre inconscient collectif.
Au fil de ses investigations, l'artiste produit des sculptures et installations issues de son observation des espaces et des bâtiments qui régissent notre quotidien et fondent notre héritage culturel. Son séjour au Japon marque le point de départ de ses recherches et donne naissance à une série de pièces formant l'essence et les prémices de sa démarche, soit introduire et réinterpréter des données spatiales à travers les formes et les matériaux, inviter le corps à se mouvoir et à s'approprier les œuvres, faire émerger et signaler les traces du vivant par l'empreinte. C'est ensuite à Düsseldorf que l'artiste prend conscience de l'impact des informations architecturales reçues, et des normes qu'elles établissent et perpétuent. Face au post-modernisme exacerbé de la ville allemande, Paola Siri Renard remet en question le style gréco-romain, ses canons de beauté et le caractère exclusif de leur standardisation.

Elle s'intéresse aux « formes ornementales par excellence » dont l'origine contraste avec les valeurs qui leur ont été attribuées et qu'elles transmettent, et utilise ce hiatus pour créer des œuvres anachroniques au statut ambiguë. L'artiste prélève ces éléments architecturaux avec la volonté de les rendre accessibles aux individu-e-s en proposant une fonction intrinsèque à leur forme afin de défaire les représentations du pouvoir et de l'autorité qu'ils incarnent, et de nous libérer de leurs injonctions. De la même manière qu'ils ont été extraits de leur contexte et exportés, Paola Siri Renard opère par collage d'histoires et d'anecdotes en écho à un capital culturel singulier, et conçoit ses sculptures comme des engins de déplacement entre les siècles, entre les mondes et leurs mythes.

Son étude des attributs devenus apparats et artifices mène l'artiste à s'interroger sur la sexualisation des extensions du corps et leurs véritables fonctions. Un travail qu'elle poursuit en Belgique et associe au style gothique autour du concept de protection. Après la feuille d'acanthe et la palmette, les cheveux et la corne, l'artiste développe un univers constitué de peaux et d'écailles, de chrysalides et de carapaces, et s'empare des objets de défense naturels et fabriqués. Vaisseau ou armure, le vivant est toujours invité et placé au centre d'une intention fondamentalement fluide, propice à la métamorphose et à la fusion, génératrice d'environnements hybrides.

Du végétal à l'animal, des courbes charnelles et hélicoïdales aux lignes osseuses et nervurées, Paola Siri Renard nous transporte dans l'éternel sanctuaire d'une beauté brute et primordiale et crée une forte ambivalence par la qualité des éléments narratifs qu'elles convoquent.

Aurélie Faure, catalogue Révélations Emerige 2022, Octobre 2022


Paola Siri Renard studies and analyses our apprehension of space conditioned by architecture via the codes it generates and conveys in our collective unconscious.
Over the course of her investigations, the artist produces sculptures and installations resulting from her observation of the spaces and buildings that govern our daily lives and form the basis of our cultural heritage. Her stay in Japan marked the starting point of her research and gave birth to a series of pieces that form the essence and the beginnings of her approach, i.e, introducing and reinterpreting spatial data through forms and materials, inviting the body to move and appropriate the works, and bringing out and signalling the traces of the living through the imprint. It was then in Düsseldorf that the artist became aware of the impact of the architectural information received, and of the norms that they established and perpetuated. Faced with the exacerbated post-modernism of the German city, Paola Siri Renard questions the Greco-Roman style, its beauty canons, and the exclusive character of their standardisation.

She is interested in "ornamental forms par excellence" whose origin contrasts with the values they have been attributed and which they convey, and uses this hiatus to create anachronistic works with ambiguous status. The artist removes these architectural elements by proposing a function intrinsic to their form in order to undo the representations of power and authority that they embody, and to free us from their injunctions. In the same way that they have been extracted from their context and exported, Paola Siri Renard operates by collaging stories and anecdotes that echo a singular cultural capital, and designs her sculptures as devices of displacement - between centuries, between worlds and their myths. 

Her study of attributes that have become pomps and artifices leads the artist to question the sexualisation of extensions of the body and their true functions. This work is continued in Belgium and associated with the Gothic style around the concept of protection. After the acanthus leaf and the palmette, the hair and the horn, the artist develops a universe made up of skins and scales, chrysalises and carapaces, and captures the natural and manufactured objects of defence. Vessel or armour, the living is always invited and placed at the centre of a fundamentally fluid intention, favourable to metamorphosis and fusion, generating hybrid environments.

From plants to animals, from the carnal and helical curves to the bony and ribbed lines, Paola Siri Renard transports us into the eternal sanctuary of a raw and primordial beauty and creates a strong ambivalence through the quality of the narrative elements they summon.

Aurélie Faure, Révélations Emerige 2022 catalog, October 2022

Dans l’espace urbain, l’architecture fige dans la matière les systèmes de relations politiques, sociales, économiques et symboliques des sociétés humaines. De ce patrimoine architectural nourrit d’une grande évolution de formes, du gothique à la contemporanéité, Paola Siri Renard retient l’importance du détail et souligne la possible mythification de la mémoire collective. S’appropriant la modénature historique des bâtiments qu’elle côtoie, médaillons, rosaces et détails végétaux, elle sculpte de nouveaux espaces prévus pour accueillir et abriter les corps, conférant alors à l’architecture une dimension défensive. L’artiste emprunte à la nature des procédés de calcification, de mue et de sécrétions pour conférer à ses architectures une aura d’instabilité. En plein processus de mutations profondes, entre fossilisation et montée de sève, ces protections naturelles tranchent avec une identité mécanique, structures métalliques, chaînes, hélices, qui transposent la résistance naturelle en auto-défense. Cette métamorphose dédoublée sous-tend ses pièces d’une double identité qui questionnent la violence culturelle et symbolique de l’architecture tout en faisant un lieu de repli et de protection.

Clément Justin, catalogue JEUNE CRÉATION 72ème édition, Avril 2022

Greffée au paysage urbain, implantée dans la mémoire collective, mythifiée par l’imaginaire et la fiction, l’architecture gothique dispose d’une histoire quasi millénaire rendue possible grâce à la dévotion de ses bâtisseurs et au respect inconditionnel de ses héritiers. Repère spirituel pour certains, visuel pour d’autres, ces édifices gardent une fonction commune à travers les siècles en tant qu’objet de pouvoir censé assujettir les fidèles autrefois, susciter la fierté d’une nation aujourd’hui. À travers une réinterprétation de ce style et de ses formes, Paola Siri Renard tend à questionner cet héritage, ce qu’il représente, ce qu’il symbolise. Ce patrimoine devient un objet plastique malléable dans le travail de Paola Siri Renard. Celui-ci vise à comprendre la charge symbolique de ces vestiges du passé en les manipulant, en les éprouvant, en les transformant, en se les appropriant. Moins par intérêt historique, cette appropriation est davantage un acte critique envers cet héritage imposé. La transformation de ce style opérée par Paola Siri Renard illustre la volonté de l’artiste de prendre du recul, de se protéger face à la symbolique immuable de ce patrimoine architectural. La référence au patrimoine historique est récurrente dans l’œuvre de Paola Siri Renard. Certains vestiges de l’Antiquité ont déjà fait l’objet de métamorphoses dans son travail qui procédait d’une réappropriation à la fois intellectuelle mais aussi physique, les éléments architecturaux étant transformés en sculptures interactives, le public pouvant s’y asseoir, les déplacer, les assiéger... Par ailleurs, à l’instar de l’inspiration florale de nombreux ornements architecturaux, Paola Siri Renard inverse cette tendance dans ses recherches plastiques en amorçant un retour de l’architecture vers la nature. La métamorphose de l’architecture, un des éléments anthropiques les plus durables, vers la nature évoque le cycle naturel et l’effet du temps. Dans son projet des RAVI, Paola Siri Renard associe le processus de fossilisation aux formes gothiques en leur conférant un aspect d’ossements figés dans le temps. Certes intemporels, ces éléments deviennent des vestiges dénués de toute fonction, tout en étant des sources à étudier, à analyser et à questionner. Dans les expérimentations de Paola Siri Renard, les éléments gothiques gagnent une extension naturelle pour atteindre un stade inédit. La métaphore d’une protection envers cet héritage patrimonial se voit matérialiser dans la fusion de ces vestiges avec des formes naturelles liées à la défense, telles que la chrysalide et la carapace. La métamorphose de ces vestiges confère donc à ces derniers une toute autre existence, tout en gardant une subtile influence de leur état architectural qui se manifeste par des jeux de lumière avec une peau écaillée reproduite dans une cire translucide ou avec cette imbrication d’éléments gothiques formant une carapace, parallèle du rôle protecteur que se donnait l’église, la maison de Dieu. Au pied des structures surélevées, des hélices évoquant la chrysalide font référence au mouvement, métaphore de l’état de transition dans laquelle se trouvent ces pièces. À ces associations, viennent s’ajouter une série de détails et de références au rôle protecteur de certains objets. La carapace, est, en effet, supportée par des objets hybrides, fruits de la fusion entre des clés, garants de la sécurité d’un bâtiment, et des Kubotans, armes de poche de self-défense. Paola Siri Renard élabore une œuvre complexe aux multiples références, fruit d’un syncrétisme aux résonnances politiques et sociales. Ses réappropriations, métamorphoses et métaphores créent une vision du monde en marge du discours dominant mais qui offre une vue critique d’une forme d’inéluctabilité dans le champ de l’interprétation collective du patrimoine historique et de toute autre forme du pouvoir.

Thibaut Wauthion, RAVI Résidences-Ateliers Vivegnis International catalog, December 2021